Als nicht gerade größter Freund des Hip Hop steht dieses Video bei mir symptomatisch für mein größtes Problem mit dieser Sparte: die Reduzierung von Frauen auf die Rolle der “Hoes ‘n’ Bitches” und des Sexobjekts. Das klingt fürchterlich klugscheißerisch-feminstisch, ich weiß, aber ich würde diesen Ansatz lieber humanistisch nennen.

Yo, tits ‘n’ asses gehen immer, wird sich R. Kelly gedacht haben. Willige Tanzpuppen brauchte er für dieses Video, die brünftig im seichten Strandwasser stehen und ihre Silikonbrüste in die Kamera halten. Jetzt kann man dem sexuell kontrovers diskutierten R. Kelly diese generelle Tendenz seiner Musikrichtung nicht anlasten, aber sich diesem Diktat sklavisch zu unterwerfen, das kann man ihm durchaus vorwerfen.

“Fiesta” könnte ich als mein “dialektisches Lieblingsmusikvideo” bezeichnen. Gegen den Anblick halbnackter, attraktiver Damen habe ich natürlich nichts. Beim ersten Sehen hat die Fiesta von R. Kelly und Jay Z auch für großes Gelächter bei mir gesorgt: alle Klischees des Genres erfüllt – eine phatte Strandparty mit Chixxx ‘n’ Homies. Mission erfolgreich. Aber weil mich dieses Fauenbild so störte, sorgte es in der Folgezeit für eine Sensibilisierung meinerseits bei diesem Thema. Kunst darf eben nicht alles, vor allem keine überholten Bilder transportieren.

“Grundsätzlich herrscht im HipHop ein Frauenbild vor, das in der westlichen (wie auch in Teilen der afrikanischen) Kultur eine lange Tradition hat und die Frau in starkem Maße mit Körperlichkeit und Reproduktionsfähigkeit gleichsetzt. [...] Diese Abwertung bezieht sich jedoch auf mehr als auf die weibliche Sexualität. So lässt sich die Gleichsetzung von Frau und Hure auch als Kontrollstrategie des Patriarchats deuten, um Frauen auf traditionelle Geschlechterrollen zu fixieren [...]”
Quelle: Kimiko Leibnitz, “Die bitch als ambivalentes Weiblichkeitskonzept im HipHop” (Abstract)

Um die Soziologie des Hip Hop tiefer zu erforschen, fehlte mir das Interesse an der Musik. Mittlerweile gibt es durchaus Ansätze, den Begriff “bitch” positiver zu deuten (z. B. im o. g. Abstract). Ich denke jedoch nicht, daß man Konnotationen zu so eindeutigen Wörter wie “bitch” und “hoe” hinzufügen kann. Aber dazu bin ich auch zuwenig Soziologe, zu sehr präskriptiver Linguist und vor allem viel zu wenig Hip Hopper.

Kurze Leseliste “Frau im Hip Hop”:

• “Die bitch als ambivalentes Weiblichkeitskonzept im HipHop” (Abstract)
• “Sexismus und feministische Strategien im HipHop”
• “Sexismus und Hip-Hop: Spiegel der Gesellschaft”
• “Popfeminismus: Porno-Rap und F-Wort”

So cool. So verdammt cool. Ich wollte immer so lässig daherschlendern wie Richard Ashcroft in diesem Video. Eine coole, schwarze Lederjacke tragen und mich einen Dreck um den Fußgängergegenverkehr scheren. Habe ich nur nie übers Herz gebracht.

Ashcroft, den ich ob seiner Stimme gerne den “Schamanen” nenne, rennt ein Frau über den Haufen, rempelt hier und da den Gegenverkehr an, steigt über die Haube eines querulantischen Autos, woraufhin ihn die Fahrerin (übrigens die Fau vom Schamanen) einige Meter verfolgt und wüst beschimpft. Am Ende rotten sich hinter ihm die anderen Bandmitglieder zusammen und es wird klar: alles, was Ashcroft wollte, war zu seinen Jungs zu kommen. Einleuchtend, weil er ja immer so ein großer Teamplayer war und The Verve sicher nicht an seinem Ego gescheitert sind.

Das Video zur nachfolgenden Single, “The Drugs Don’t Work”, schließt nahtlos an “Bitter Sweet Symphony” an. Lässig kommen Ashcroft und seine Jungs um die Ecke geschlendert. Allerdings sind sie nicht auf Rempeltour aus, sondern kaufen sich eine Portion Gefühle für 50 Pennies.

“Urban Hymns” war voll von solch grandiosen Songs. So enttäuschend das 2008er Comeback-Album “Forth” auch war mit seiner Melange aus seltsam uninspirierten und unfertigen Songs, “Urban Hymns” ist ein Evergreen. Größer, schöner, besser war Britpop nie.

“The Shining” ist einer meiner absoluten Lieblingsgruselfilme. Eigentlich passiert in dem Film ja nichts, außer daß ein paar Menschen alleine in einem riesigen, verlassenen Hotel ein wenig Zeit verbringen. Es entwickelt sich aber ein Horror, der mich nach dem Erstkontakt nicht einschlafen ließ. Seit dieser Zeit ist mir Jack Nicholson primär unheimlich, da helfen auch possierliche Rollen wie in “As Good As It Gets” nicht.

30 Seconds to Mars sind mir bis auf dieses Video völlig unbekannt, was sicher auch an meiner Jared-Leto-Phobie liegt. Als Jordan Catalano machte er aus meinen Schwestern fernbedienungsbesitzergreifende Freaks und war deshalb Mitte der 90er so ein Ärgernis, daß er das auch mit guten Rollen in “The Thin Red Line” und “Fight Club” nicht mehr wettmachen konnte.

In “The Kill” verbeugt sich Leto als Clipregisseur vor Stanley Kubricks famosen “The Shining”. Das Video geht zwar nur etwas über fünf Minuten, kann aber die spukige und beklemmende Atmosphäre des Films gekonnt reproduzieren. Definitely not dull.

Möglicherweise gibt es bessere Videos von den Chili Peppers. Das hier aber ist mein Liebling, weil es so “verrückte” Bilder enthält. Für meine Mutter waren die Red Hot Chili Peppers immer “diese Sockenjungs”, was natürlich mit dem Cover zu ihrer 1987er Single “Fight Like A Brave” zu tun hat, das die Band bis in alle Ewigkeit begleiten wird.

[Das Bild gibt es hier, aber Vorsicht: contains partial nudity! ]

Meine Mutter hatte beim Zappen das neue Video der Chili Peppers gesehen und meinte nur, “Diese Sockenjungs haben ein neues Video. Das ist verrückt; die sind verrückt.”

Es dauerte etwas, bis ich in den Genuß des Videos kam – damals gab es noch kein YouTube und kein Dailymotion und Google war auch noch kein SPECTRE-mäßiger Bösewicht. Was ich dann aber sah, gefiel mir sehr. Der Schlußsatz “Inspired by the ‘One-Minute Sculptures’ of Erwin Wurm” ließ mich ein wenig nach Erwin Wurm suchen. Das ging damals mit Google schon ganz gut.

Erwin Wurm ist österreichischer Künstler, der mit seinen “One Minute Sculptures” einen direkten Weg zur Kunst versucht: sie ist schnell machbar und dauert nicht lange. Beliebige Personen nehmen dabei Aufstellung im Konzept des Künstlers, halten ihre Pose für eine Minute, werden dabei fotografiert und schon ist der Moment der Kunst für die Ewigkeit festgehalten – allerdings nur als Bild, nicht plastisch. Das paßt gut zum Stil eines Musikvideos und sorgt im Video der Chili Peppers für einige ganz fabelhafte Bilder. Als Kunst-Illiteratem bleibt mir nur festzustellen: moderne Kunst ist auch immer ein bißchen bescheuert.

Ash sind so etwas wie die Nicht-so-ganz-Gewordenen der britischen Rockmusik der 90er. Man hat sie als Fan ungeheuer toll gefunden, vielleicht auch geliebt, aber nach den ersten zweieinhalb Alben war da irgendwie eine Leere, die man sonst nur im Kopf eines nordamerikanischen Hip-Hop-Artisten vermuten würde.

Dabei fing alles so gut an: “Trailor” (1994) war gelungen, “1977″ (1996) war vorzüglich. Tim Wheeler hätte sich als BRAVO-Poster in vielen Mädchenzimmern gut gemacht, und Charlotte Hatherley war das schöne Indie-Mädchen für die Jungs.

Aber dann kamen die anderen Alben, die etwas weniger gut waren, und dem geneigten Fan wurde klar: nee, so toll sind die nicht mehr. Traurige Geschichte.

Das Beste, was Ash hinbekommen haben, ist das legendäre “Girl From Mars”, ein Song so schön wie eine saftige, grüne, irische Wiesenlandschaft.

Ash, “Girl From Mars”, v1.0 (UK)

Äh ja, das ist wirklich ein scheußliches Video. Nichts mit grüner Wiesenlandschaft, sondern eher als hätte jemand auf zuviel LSD “Give it away” von den Red Hot Chili Peppers geschaut.

Die Band haßte diese erste Fassung, und als die Single 1995 in den USA erscheinen sollte, wurde ein zweites Video gedreht. Damals, in den musikvideoverschwenderischen 90ern, ging so etwas noch.

Ash, “Girl From Mars”, v2.0 (US)

Das zweite Video ist zwar auch nicht soooo viel besser als das erste, aber zumindest hat der Regisseur vor dem Dreh (vermutlich) keine bewußtseinserweiternden Drogen konsumiert.

Beide Clips sind künstlerisch eigentlich nicht so wertvoll, daß sie in dieser Reihe erscheinen sollten. Aber bei “Girl From Mars” kommt erschwerend hinzu, daß es einer meiner all-time favourite songs ist und durch die Produktion zweier (zugegeben sicher nicht exorbitant teurer) Videos ein schönes Beispiel für Musikvideobudgetexzesse in den 90ern ist. Darauf eine Henry Wintermans Cigar.

Ich mag keine Musicals. Singen, tanzen u n d schauspielern sind mindestens eine Sache Sache zuviel für meinen Geschmack. Es gibt zwar einige, wenige Musical-Filme, die mir durchaus gefallen, z. B. das Baz-Luhrmann-Schnittfeuerwerk “Moulin Rouge“, “High Society” oder der ein oder andere Astaire/Kelly/Crosby-Film, aber schon Woody Allens “Everyone Says I Love You” hat mich eher verstört gestört als fasziniert.

Für Björk hat Spike Jonze sich von Musicals das geborgt, was zusammen funktioniert: Musik und Tanz. Herausgekommen sind wunderbare vier Minuten, in denen das Tempo musikalisch wie visuell variiert wird.

Die ruhigen Strophen laufen in Zeitlupe ab, setzt aber der laute Refrain ein, wird in Echtzeit gehüpft und gesprungen und die Kulissen entpuppen sich als Hintergrundtänzer, wie z. B. der Briefkasten oder sie klassischen Säulen.

Der Song ist eine Cover-Version und mit seinem Big-Band-Element sehr Björk-untypisch, und gerade deshalb mein liebstes Stück von ihr.

Das Original: Betty Hutton, “Blow A Fuse”, ca. 1948:

Wie wohl ein 1950ies-Schwarzweiß-Musikvideo dazu ausgesehen hätte?

“Äh ja… und?”, denken Sie, werter Leser dieser Serie, jetzt. “Was hat dieses vollkommen unspektakuläre Low-Budget-Video hier zu suchen, neben all den anderen tollen, ausgefallenen und besonderen Clips?”

Ganz einfach: es ist von den Libertines, meiner absoluten Lieblingsband aller Zeiten der Welt. Leider haben die Libertines nie besonderen Wert auf lieblingsmusikvideowürdige Werbevideos gelegt. Vermutlich waren sie zu sehr in der Londoner Musikszene verankert und hatten keine Filmhochschulfreunde, die mit krassen Ideen und tollen Projekten bei ihnen hausieren gingen.

Deshalb muß dieser Clip herhalten. “Up the Bracket” war das erste Libertines-Video das ich gesehen habe. Und möglicherweise leitete es damals, im Herbst 2002, eine Zäsur ein. Ich bin mir nicht 100%ig sicher, aber es ist sehr wahrscheinlich, daß die Libertines die letzte Band waren, in die ich mich aufgrund eines Musikvideos, das ich im Fernsehen sah, verliebt habe.

Wenn ich es mir recht überlege, ist das Jahr 2002 ein ziemlich exakter Zeitpunkt für den Tod des Musikfernsehens. Im Januar 2002 wurde VIVA Zwei abgeschaltet. Zeitlich paßt es also.

Für das zweite Album, “The Libertines”, spendierte die Plattenfirma das erste (und ich glaube auch einzige) Musikvideo. “What Became Of The Likely Lads” beinhaltet Filmsequenzen über zwei Jungens im Kindesalter, die in einer recht tristen Wohngegend herumtollen.

Nicht spektakulär, aber für die Libertines fast schon avantgarde.

Ein Schmankerl gibt’s zuletzt: “Don’t Look Back Into The Sun”, die famoseste Single der Band. Das Video ist natürlich mäßig, der Song hat größtmögliche Güte.

Bei Dailymotion habe ich eine Playlist mit allen offiziellen Libertines-Videos erstellt.

Das Video geht 4:18, davon kann man aber bestimmt knapp vier Minuten in die Tonne treten. So unsäglich ich die Stimme des Sängers finde, so unsäglich finde ich die Musik, so unsäglich finde ich die ganze Band Maroon 5.

Aber als auf MTV dieses Video kam, war ich nach dem ersten Schnitt schon Feuer und Flamme. Ich wiederhole: nach dem ersten Schnitt. Im Grunde geht die Faszination dieses Videos von den Schwarzweiß-Sequenzen aus, mit freundlicher Hinzunahme der letzten Farbszene. Mit diesen Angaben bekommt die Faszination einen klar umrissenen Namen: Schnittenvideo, ok, alles klar.

Schon der erste Moment löste bei mir die Frage aus “Verdammt, die kennst du doch irgendwoher! Aber woher?” Ich quälte mich also durch den ganzen dreckigen Song und das dazugehörige, in seinen Schwarzweiß-Sequenzen doch recht ansehnliche Video mit diesem unerträglich metrosexuellen Sänger. … … Ok, eigentlich wollte ich eine negative Bewertung vermeiden, aber ich kann nicht anders, es ist stärker als ich … … mit diesem unsagbar schwulettigen Sänger mit seiner quäkigen Nöl-Stimme. Am Ende des Videos war ich so schlau wie vorher. Ein Schnittenidentifikationsfiasko!

Die Folge war, daß ich das Video “suchen” mußte. Ja, ich gestehe, ich mußte ein Maroon-5-Video suchen. Es fühlte sich schäbbig an. Dank Google und YouTube konnte ich mir das Video gleich mehrmals ansehen. Aber auch nach dem zweiten und dritten Mal konnte ich diesem schönen Gesicht keinen Namen zuordnen.

Aber mir fielen andere Dinge auf.

Wie kann es sein, daß der Sänger wahlweise aussieht wie der Liebhaber von David Beckham oder wie Dave Gahan in dem Depeche-Mode-Video zu “Enjoy The Silence”, wo er durch schöne Grashügellandschaften läuft?

Wieso sieht der Rest der Band aus wie die zotteligen Techniker aus “Wayne’s World”?

In welchem obercoolen NY/LA-Restaurant befindet sich der schlimme Sänger, wo ein weißer Hirsch herumsteht, der wie aus dem Smithsonian geklaut aussieht?

Warum darf diese mittelmäßige Nöl-Kapelle so schamlos bei “Every Breath You Take” von The Police klauen?

Beim Anhörertragungsritus Nummer 4 fiel es mir dann wie Schuppen von den Augen: ALEX!

Alex, die Tocher von Rousseau, die Adoptivtochter von Benjamin Linus, dem Bösewicht aus “Lost“!

Und tatsächlich: Tania Raymonde, die Darstellerin der Alex, ist das Objekt der Begierde in dem für cirka 23 Sekunden ansehnlichen Video zu dem unsäglich penetranten Maroon-5-Song “Won’t Go Home Without You”.

Meine Wissensgier mußte ich teuer bezahlen. Aufgrund eklig verklebter Gehörgänge brauchte ich eine Ohrdrainage. Der Boss war mir dabei behilflich.

Aufmerksame Leser dieser Serie werden jetzt denken: “Was? Andreas und Wu-Tang? Ist etwa schon der 1. April?”

Nein, so weit ist es noch nicht. Die irren Rapper gesellen sich zu illustren anderen Künstlern, deren Musik ich nicht zu schätzen weiß, deren Videos mich aber haben aufhorchen lassen.

In diesem Fall einzig und allein bezüglich eines Charakteristikums: Megalomanie – das Video muß soviel gekostet haben wie das Budget aller deutschen Spielfilme 1997 zusammen. “Boh wie phatt ist das denn?” war das Erste, was mir bei der Erstbegegnung mit diesem Video durch denn Kopf ging.

Ich klinge wie ein alter Mann wenn ich sage, daß die Spezialeffekte damals state of the art waren. Heute sehen sie doch ein wenig antiquiert aus, aber sie waren sicher sündhaft teuer.

Meine Lieblingszeile in “Triumph” ist “make ‘em jump like Rod Strickland”, was ich seinerzeit ziemlich klasse fand, weil Rod Strickland, eine New Yorker Streetball-Legende, damals in der NBA bei den Washington Bullets seinen Karrierehöhepunkt erreichte und als fantastischer Point Guard auch mich begeisterte.

In der ersten Runde der Eastern Conference Playoffs spielten die Bullets 1997 als Underdog gegen die Chicago Bulls um Michael Jordan, und auch wenn sie mit 0-3 verloren, gingen sie doch nicht unter, sondern boten dem amtierenden und zukünftigen Meister einen großen Kampf. Der floor general war Rod Strickland, und er trumpfte so groß auf, daß der Wu-Tang Clan ihn in diesem Song verewigte.

Was wurde aus den players dieses Videos?

ODB ist tot und Brett Ratner dreht X-Men-Filme. RZA, GZA und wie sie alle heißen sind nach wie vor dick im Geschäft. End of Story.

Den Song habe ich erst 1994 für mich entdeckt, als das Musikfernsehen mich heimsuchte. Damals fand ich, das sei einer der besten Springsteen-Songs, die der Boss nie geschrieben hat, weil er sehr gut auf “Born in the USA” oder “Tunnel of Love” gepaßt hätte. Heute würde ich das nicht mehr so unbedingt sagen, auch wenn der Song immer noch große Klasse ist, aber damals wurde ich vermutlich ein wenig von dem sehr schönen Video geblendet.

Auch wenn mich “nackte Männeroberkörper im Zustand der Ertüchtigung in Schwarzweiß” immer an Riefenstahl erinnern und mir ein wenig aufstoßen, so ist das Video doch einfach gekonnt formschön. Der kleine Junge, der stoisch auf seine Drums einschlägt, erinnert mich immer an den Boss, wie er mit konstanter Ruppigkeit auf seine Rhythmus-Gitarre eindrischt. Er spiegelt jedoch eher Henley selbst wieder, der als ebenfalls linkshändiger Drummer und Sänger der Eagles Weltruhm erlangte.

Analog zum Riefenstahl-Reflex kommt mir immer “Growin’ Up” vom Boss in den Sinn, wenn jemand von “hair combed back” singt. Auch in Henleys Song kommen Autos, Straßen, Radio und natürlich endlose Liebe (”my love for you will still be strong”) vor: Gemeinplätze des mythologischen Amerikas, wie man sie auch bei Dylan und Petty, aber vor allem eben beim Boss findet.

In drei Phasen seines Lebens blickt der Erzähler auf eine vergangene Sommerliebe zurück, dabei sollte er das doch eigentlich nicht (”Don’t look back, you can never look back”). Henley singt von Erinnerungen, von denen er sich nicht lösen kann, und die er – nach all den Jahren – immer noch spüren kann. All das kann der Boss zwar besser, aber das macht den Song nicht weniger schön.

Blink-182 sind eine dieser von mir viel zu wenig geschätzten Bands, bei denen ich immer, wenn ich sie zufällig höre, denke: “Hui, cool, die mußt Du dringend öfter mal hören”. Ob sie mich letzten Endes überzeugen würden, ist somit weiterhin fraglich, denn ich besitze nur ihr 1999er Erfolgsalbum “Enema of the State”.

“All the Small Things” war blink-182s erster Nummer-Eins-Hit und ihr größter Hit überhaupt. Das Video parodiert den Teenpop-Schrott der Jahrtausendwende: Aguilera, Spears, Backstreet Boys, NSYNC, Westlife etc. Wer von diesen Künstlern visuell gequält worden war, erhielt mit diesem Video einen schmerzlindernden comic relief .

Bei den MTV Video Music Awards 2000 mußten sich blink-182 beim “Video of the Year” Eminems “The Real Slim Shady” geschlagen geben. Als Hip-Hop-Detester kann ich da nur sagen: “Tss”.

Und was muß ich zu guter Letzt über den Regisseur des Videos, Marcos Siega, lesen? Er hat 2007 in einer Folge der von mir sehr gern gesehenen Fernsehserie “Life” Regie geführt. Sachen gibt’s…